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場次 時間 課程主題 課程隨筆 主題影音
一  2017/06/06  歌舞片:從百老匯到好萊塢-萬花嬉春  
二  2017/06/13  歌舞片:從百老匯到好萊塢-樂來越愛你  
三  2017/06/20  黑幫片:從香港到上海灘-羅曼蒂克消亡史  
四  2017/06/27  黑幫片:從芝加哥到紐約-教父I  
五  2017/07/04  科幻片:從歷史到未來-普羅米修斯  
六  2017/07/18  科幻片:從歷史到未來-西部世界  
七  2017/07/25  黃梅調:從戲曲到女性主義-梁山伯與祝英台  
八  2017/08/01  爆笑喜劇:從莎士比亞到希特勒-To Be or Not to Be  
 詳細內容

課程名稱:文學意象與類型電影
主題:歌舞片:從百老匯到好萊塢-萬花嬉春
時間:2017/06/06      場次:一  

  隨堂筆記   整理:呂淑真

以《萬花嬉春》(Singin' in the Rain, 1952) 開頭是非常有趣的事,因為《萬花嬉春》是影史上的不朽之作,看似為一齣非常娛樂的歌舞片,但其所涉略的議題相當龐大,乃講述有關電影界的諸多情事。影片是在1950年代時,拍攝有關1920年代末的故事,1920年代末也是當時好萊塢從默片轉到有聲電影的時間。劇中的人事物都可對號入座為電影史上的某人、某事、某物。劇中所採用的歌曲均為默片到有聲電影時期最為風行的電影主題曲(本片幾乎沒有原創歌曲)。本片亦敘及當時電影史的諸多問題,比如進入到有聲電影的困境。所以本片看起來似乎是用愛情與歌舞來表達電影轉換技術時代的故事,但其實是有著三個不同層次的論述的。

 

一是作為通俗藝術(popular Art,如流行音樂、歌舞片、電影等)與高等藝術(high Art,泛指正統藝術形式,如文學、詩歌、小說、戲劇等)的爭論,孰高孰低的藝術形式表現,由無聲到有聲的代表,電影如何從默片邁入有聲時代,故聲音和影像其實是兩個故事、兩條線路,可以在觀看的過程中不斷省思「聲音代表什麼」、「影像代表什麼」。

 

我們最愛講默片的成就都是在影像上頭的,譬如德國表現主義、光影佈景、美術設計、造成震撼的視覺效果,或者是蘇聯當時流行的蒙太奇,不需要聲音,完全用剪接來呈現藝術的撞擊力。這些都是默片的成就。大家都認為,聲音來了之後,就會把默片的視覺或蒙太奇的剪接效果、美術效果也好,都被摧毀了。所以事實上,從默片到有聲也是降格的,就好像我們在電影史上也常常爭辯說「彩色片雖然好看一點,通俗的老百姓也比較喜歡,但我們高尚的人其實是喜歡看黑白片的。」伍迪艾倫就常常提及這般論述。

 

另外提及聲音和影像這中間電影的本質是什麼。「電影的本質」是非常本體論的爭論。電影是一個做出來的東西,有人相信電影就是真實,但真實這件事是難以達成的。電影是經過聲光、攝影機鏡頭捕捉而來的某一種現實,它都有某種虛構成分,這虛構成分或許能相當貼近現實如紀錄片,但有的是組合出來的東西。聲音的替代性有什麼?影像的替代性有什麼?這也是非常嚴肅的本質討論。所以這部電影表面上是愛情故事歌舞片、是講述歌舞片的歷史、是陳述雜耍藝術在美國的發展歷史,但實際上所論述的是更為複雜的電影本質爭論及與觀眾及其互動的關係。

 

電影中除了跳舞是真的,其他都是運用聲音、視覺、道具、音樂等技術組合而成的一個虛構的真實,電影是用拼湊、複製或者是掩蓋的方式造成一個新的現實。片中所有的聲音都是Lina Lamont自己的,假的聲音也是她自己的,所以這個聲音與視覺的分離,用這件事去講述電影史由默片進入到有聲片的進化,電影中非常多是替代性的,特別是片中求愛的那場戲,那男的說我是一個這樣的演員,我沒有適當的場景、我不會講話、我不會表達我自己,然後所有從夕陽、微風、月光、星星、霧等等都是假的,然後那個女的站在梯子上,不斷地提及文學藝術上與通俗迴異之處,總是言及莎士比亞、易卜生、百老匯。所以,聲音是可以替代的,道具也可以替代的,情緒都是可以被替代的。

 

另外,本片也使用了非常多現代主義技巧。現代主義在文學、藝術上都常常提及,在文學藝術上使用現代主義時,其實是與社會、科技、都市文化起來以後,對情感對諸多事情不再用以前很投入的方法,不喜歡採取間離效果。間離效果就是不斷地被提醒「這件事不是真的」。當鏡頭拉遠時,變成假的平面的東西,然後又對照一個真的東西。不斷地反覆著。當時可能還沒出現現代主義的東西,但本片卻是一直在搞弄這玩意。影片中最大的間離效果呈現是,劇中人物突然又重敘說要拍一齣我們未來的夢。有沒有,有個年輕人跑到百老匯來,拼命嘩啦嘩啦地跳,此時我們不要忘記,以前我們在學習現代主義時,常常會講的意識流。意識流就是你敘事走走走,突然間停止了,就敘事不走了,然後大家開始走到下面去,走同一個時間段內部這個角色內在的心裡或潛意識。講到這樣的故事,記得嗎?你們看白先勇的《遊園驚夢》最多這樣的手法。那一大段的間離效果裡頭又有一段的意識流,在這個男的慢慢成名之後,到了高雅的場所,見的那女的,他又停止了,然後他又意想他跟這個女的另外一段談情說愛的部分,可是這次表達是用高雅的現代芭蕾,所以間離效果又發生一次。所以這整個電影用了非常多現代主義跟現代性。用這些不斷地在辯證高雅的、舞台的、文學的藝術,是不是與通俗的、百老匯的、雜耍的、喜劇的表演方式是有區別的。這女的一開始出場是認為,這是有區別的,認為你們這些人完全不懂表演是怎麼一回事,我們那種真正的表演是莎士比亞、易卜生,是需要非常漂亮的對白的,要真人真事都才叫表演,但辯證到後頭,她也漸漸認同普通歌舞的狀態。然而在意識流的部分則又對比了一次,從小的百老匯一直爬到高雅的華爾滋和現代芭蕾,電影中,有價值的藝術不斷地與「我們要讓大家笑」的通俗電影意義間,反覆論述著。演員是什麼?演員就是再苦再糟的狀況,都要讓觀眾有反應,所以這影片就是一直講創作與觀眾的關係,讓觀眾一直笑很重要,觀眾喜不喜歡很重要,這就是創作的本質,用一種非常娛樂和通俗的方式不斷訴說著。

 

美國電影史從無聲到有聲,使得默片中美好的元素都被犧牲了。比如有聲的攝影機必須固定不動,因為攝影機本身太過笨重,且必須被圈在房間裡以免導致錄音效果不佳。攝影當下,馬達啟動的聲響,更是使得錄音狀況極為慘烈,所以攝影機必須特別用防音罩給它罩起來。所以無聲默片中的動作、特技表演及有身手戲碼的流暢性,來到有聲電影就都被犠牲了。

 

本片是一部很濃縮的歌舞片歷史、很濃縮的有聲電影歷史、很濃縮的美國雜耍娛樂文化史,然後又運用許多技巧來討論電影的本質是什麼,論述全部都是虛構的東西、全都可替換、所有的東西從聲音、視覺到道具,通通都是可以替換的,最後訴說著電影與觀眾之間的關係,諸如影迷的構成、鼓動明星制度的平面的電影雜誌、不斷的小報消息。這就是好萊塢歌舞片的共生關係,電影就是要讓你高興讓你笑。所以觀眾總以一種開懷、不經意的心情看完這部電影,其實探討的是非常複雜的歷史文化與關係。另外,這所有歌的歌詞裡非常多文學的引句在裡頭,他們講的話、唱的歌,或者是這些段落,其實夾雜著非常多的後現代用語、後現代情境,也就是很烏雜地東引西引,這邊引某一歷史片段、那邊指涉某一個人,如前所述,每一個出現的角色都可以指涉為現實生活中的那個誰。

 

影片中各種旁徵博引的狀態,一直在玩語言遊戲,不斷地使用了大量的雙關語,所以影片中每一層的字意、雙關語、語境、講述歷史的方式,常常都是不著痕跡的,全部掩蓋在它的喜劇和它的節奏之下。所以,普通的人去看,看到的是一齣簡單不複雜的電影,但你去理解它很多背景後,會瞭解到它其實是部很後現代的電影。從這部影片再延伸到《樂來越愛你》,一樣是更為烏雜且更為大量的後現代情境,當然也加了許多《萬花嬉春》的內容,包括唱歌時抓的那根燈桿子。《萬花嬉春》製造了更多在電影裡頭的後現代情境,於是我們會看到更多電影使用「Singin' in the Rain」或這個聲調的情境,而變成了另一個意義。最著名的例子則是庫伯利克的《發條橘子》,每次唱「Singin' in the Rain」時,其實是最殘酷的、最暴力的段落。所以「Singin' in the Rain」已經變成是美國重要的電影象徵。

 

本片就是用最娛樂的方式去講述最複雜的概念,這也是為什麼在做電影史回顧時,《萬花嬉春》的價值絕對不是它唱得好或跳得好,而真的是它談的問題太複雜了。